Makoto Tojiki

 En este blog voy a ir publicando entradas con grandes artistas que sean distintos y resalten ante los demas, ya sea por el aspecto técnico que le da a sus obras, o por el significado y lo que nos hace pensar.
Makoto Tojiki es un artista y diseñador que utiliza la luz como su principal medio de expresión. Tojiki coloca estratégicamente las luces colgantes para crear esculturas tridimensionales de luz. Los resultados son bastante sorprendentes y con alto valor visual, lo cual para el mundo de la iluminación, es un avance creativo, rompiendo con las barreras convencionales del uso de la luz como utilidad meramente funcional, o bien, con más elaboración para considerarse como una nueva definición de luminaria, un campo del que aún queda mucho por aprender y el está siendo un pionero. Aquí os dejo un par de obras suyas, espero que os gusten.

Eugenio Recuenco

En este blog voy a ir publicando entradas con grandes artistas que sean distintos y resalten ante los demas, ya sea por el aspecto técnico que le da a sus obras, o por el significado y lo que nos hace pensar. 
Hoy voy a hablaros de Eugenio Recuenco, un fotógrafo español, de Madrid, Eugenio, ha trabajado para grandes marcas, incluyendo Vogue. Tiene un estilo muy artístico y pictórico, y destaca su trabajo sobre las luces y lo que estas nos pueden llegar a trasmitir en una fotografía.  Sus obras, que deberían ser llamadas producciones, son complejas, opulentas, fantásiosas y recargadas.
ES un artista que no hace solo fotografías si no que casi crea escenarios pictóricos y cinematográficas. Esta colección es una de las que más me gustan a mi. Se trata de una colección de fotografías de mujeres pintadas como Picasso hizo en sus lienzos.

º La iluminación º

Para complementar nuestros conocimientos adquiridos en la clase anterior, con las cámaras y linternas, sobre la iluminación. Hoy hemos estudiado la teoría sobre esta. 
Nos encontramos siempre con dos tipos de fuentes de iluminación, por una parte, estas la iluminación natural, y por otra, la luz artificial; dentro de la luz artificial encontramos la luz continua, como en el caso de las bombillas, focos, etc. o discontinua, como en el caso del flash. Y dentro de la natural, podemos ver también la iluminación lateral.
 Las luces, son muy importantes en el arte en general, la luz nos da mucha informacioń, tanto la luz como la sombra. Si no tuviesemos luces, no podríamos trabajar en la pintura con el volumen o la forma.Sin luces, no hay colores tampoco. La sombra nos aporta información sobre que hora del día es, sobre que estación es en la que estamos, nos da información sobre la profundidad, etc.
 Además las luces, siempre han adoptado también un valor simbólico, por ejemplo en pintura, cuando se quieren hacer temas religiosos y sobre dios, se recurre mucho al blanco, que es un color asociado con el cielo, con la pureza y la divinidadE el negro sentimientos de frialdad, pena, horror, etc

º Ejercicio sobre la iluminación º

En la clase de análisis, nos hemos divido en pequeños grupos de 2-3 personas, y hemos llevado las cámaras y trípodes a clase, junto a unos linternas, como nos pidió la profesora. Nos hemos ido al plató. Y hemos estado trabajando sobre los efectos que pueden tener las luces en las fotos. Hemos estado trabajando con la sensibilidad de la cámara, el objetivo, la velocidad, el diafragma, etc. Y con unos leds y apagando la luz de la clase, hemos conseguido unos resultados asombrosos, que luego también trabajé en casa.
 

Javier Banegas

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Otro gran artista, que trabaja con los colores, y que es muy famosos hoy en día por trabajar con estos y sus significados y sugerencias, es Javier Banegas, un pintor dibujante y fotógrafo bastante reconocido en el panorama español.

Carmen Calvo

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Hoy voy a mostraros algunas de las imágenes de la artista Carmen Calvo, una distinguida artista valenciana, que ha obtenido el premio nacional de artes y es distinguida por los jueces por "el carácter híbrido de su creación" y la "construcción de la identidad subjetiva e histórica". Trabaja mucho con el color y el significado y la simbología de este.

º El color º

En la clase de color de hoy, hablamos sobre los colores, el cómo interactúan y cómo funcionan, es decir los criterios de utilización de estos. 
 Los colores, no son como creemos ver, los colores siempre dependen, no solo de las ondas de magnitud de estos, si no que también de los colores de los que van acompañados. El fondo sobre el que se sitúa, también hace que varíe la percepción de este color
  Un color aparecerá como más claro o más oscuro, según el color que se encuentre cercano al color con el que esté interactuando. La forma de determinar que color es más claro o que color es más oscuro, es definiendo visualmente cual color nos parece más pesado y cuál más liviano. El color que aparece como más pesado, es el que

contiene más negro y por lo tanto, el más oscuro.En el caso de la intensidad cromática, hay colores que al interactuar con otros que se encuentran cercanos a él, podemos percibirlos como más brillantes o más opacos  Vimos también, como los colores se pueden usar como identificadores de marcas, haciendo de estos imágenes comerciales, o podemos asimilarlos con un una marca. Por ejemplo el rojo lo asociamos al psoe y el azul al pp


 

Además estudiamos, el cómo los colores, en imágenes artísticas, pueden transmitirnos mucha información, por ejemplo, el estado anímico del autor.
 Para concluir la clase, vimos como se pueden clasificar los colores. 
Y nos encontramos con:

    Colores luz (síntesis aditiva): Son los colores RGB que corresponden a los tres colores a los que son sensibles los conos de los ojos. La suma de estos colores, rojo, verde y azul, dan lugar al blanco.
    
    Colores pigmentos (mezcla sustractiva): Son los colores CMYK (cian, magenta y amarillo) los cuales tienden a apagarse en su mezcla, llegando incluso a transformarse en el negro.

 

 También vimos como se organizaba una gama cromática partiendo de los colores primarios, formando así los secundarios, complementarios y adyacentes.Los secundarios,según sea la síntesis aditiva o sustractiva se forman con la unión de dos colores primarios. Los complementarios son los colores que se obtienen mezclando un primario con un secundario. Y adyacentes son aquellos que según la gama cromática se encuentran más cerca de un lado que de otro.

º Exposición Galería Liebre º

El sábado 15, se nos citó a la clase, para asistir a la inauguración de una nueva exposición el la galería liebre, situada bastante cerca del museo Reina Sofía. Estuvimos allí por la mañana, todos en plan comando apache, en nuestro grupito, hablando con diversos artistas, y viendo las distintas obras separadas en salas situadas unas en frente de las otras, había distintos tipos de arte, había collages, esculturas, fotografías...Fue una exposición muy bonita y recomendable para ir allí a ver cosas nuevas, originales y de artistas españoles.
 A mi, estas son las obras que más me gustaron: 


                                                                                                                                                 

º La Instalación º

En clase, se nos propuso un ejercicio práctico, que consistía en realizar nuestra propia instalación, con el objetivo de iniciarnos en otras ramas artísticas que aún no hemos experimentado, y que hoy en día se ven muy a menudo.
 Una instalación es básicamente un espacio creado por un artista y condicionado por este, para que al estar ahí se te recree una idea o entiendas lo que se te transmite solo por el ambiente originado.
 Yo empecé a buscar información sobre lo que eran las instalaciones, que artistas son los más destacados, etc. Y al descubrir que empezó todo con el arte contemporáneo, con  el pop art, en la década de los 60. Pensé en hacer una instalación que tuviese que ver con esa época, que recrease un poco el ambiente de los 60.
 Y a partir de una caja de carton, pinte la pared frontal con burbujas de color pero lo acabé con un fondo negro, y en el suelo una espiral de colores, que te produce una sensación de alegría y colorido al estar en ese lugar. Mi instalación, mi obra, la he llamado, "La Muerte de los 60" se trata de rememorar a toda la gente que vivió en esa época, para ello, realicé unas cometas caseras con hilos y palillos, y las coloqué sobre unos tornillos que saldrían del suelo de la instalación. Y encima de estas cometas, que vistas desde abajo, no se podría apreciar, hay unas pastillas.

 

 Visto desde abajo, al estar en una sala oscura y con poca iluminación salvo en las burbujas de color, la espiral y las cometas, estaríamos ante una sensación de desconcierto, de no saber que está pasando,de ver algo familiar al visualizar esos colores tan alegres, pero no saber por qúe la sala está a oscuras y hay unos tornillos que miden 3 metros alrededor nuestro. Pero visto desde arriba, se verían las pastillas y se entendería un poco lo que pasó en los 60. Desde arriba, las cometas y las pastillas nos transmitirían una idea de cómo la gente se dejaba llevar por las pastillas y todos acababan metidos en esa espiral de las drogas, que simboliza la espiral dibujada en el suelo. Los tornillos atravesando las cometas nos meterían en un contexto total, entendiendo de una forma radical, como las drogas atravesaban todo y acabaron con las vidas de muchas personas. 

Zhang Huan

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 Hoy os voy a hablar de un artista chino, que empezó siendo pintor, pero también ha realizado una gran cantidad de performances, obteniendo una gran fama con estos, y un gran reconocimiento. Se le reconoce como autor contemporáneo, y se le da gran valoración a las pinturas que realiza en los cuepos, Aquí os dejo algunas obras de esta gran artista asiático, espero que os gusten : 

 

 

 

 

Ron Mueck

 En este blog voy a ir publicando entradas con grandes artistas que sean distintos y resalten ante los demas, ya sea por el aspecto técnico que le da a sus obras, o por el significado y lo que nos hace pensar.
  Hoy ha salido en la clase un artista que me ha impactado mucho la verdad, se trata de Ron Mueck, un artista británico, que trabaja con el hiperrealismo, y sabe manejar las distintas texturas de una forma exquisita, dejándonos ver como una escultura de enormes dimensiones puede llegar a parecer real y solo darnos cuenta de que es falsa, al tocarla y ver que la textura no coincide con lo que nuestro cerebro asimila a lo que debería ser. Aquí os dejo algunas imágenes de este fantástico artista: 

  

 

º La Textura º

  En la clase de hoy nos han explicado el proceso de cómo analizar una imagen correctamente, cómo interpretarla. Y qué debemos tener en cuenta a la hora de ir a interpretar lo que vemos. Los aspectos principales a tener en cuenta son: la forma, la composición, el formato, el tamaño, la textura, el color y la iluminación.

La textura:

  Es el material del que están echas las cosas, es la representación visual de la materia. Nos da los datos de lo que es una cosa.

  Se distinguen los siguientes tipos; natural, artificial, material y visuales.

Las texturas más vistas y reconocidas son: suave, áspera, caliente, fría, dura, blanda, metálica, húmeda, seca, putrefacta...

El tamaño:

Son las dimensiones o medidas de la obra

  Para objetos de dos dimensiones, el tamaño es la superficie y para objetos de tres dimensiones el tamaño es el volumen.

El formato:

  Es el soporte en el que se realiza una imagen, son  los materiales y la forma con la que se ha hecho.

El marco:

  Es una adorno visual para determinar que la estructura acaba en un punto.

º Azul Ultramar º

 Se nos ha organizado a toda la clase en parejas. A mi me ha tocado con Zamyra. Y nos han encomendado la misión de investigar sobre el color azul ultramar. 

Definición y Etimología 

 "Azul ultramar" tiene su origen en la palabra del latín ultramarinus, que significa "más allá del mar". Pero este color proviene de una piedra semipreciosa llamada, "lapislázuli", y esta piedra esta formada por dos palabras:  lapis, que su significado viene del latín, piedra; y lázuli, del persa, azul.

 Cómo funciona este color

Este color funciona sobretodo con todo tipo de azules al ser colores de su misma familia cromática. Además funciona también con colores metálicos, sobretodo el plata. También con marrón, beige, que sirven y se usan mucho para dar una sensación de profundidad. También funciona bien con blancos, rojos y narajas.

Y se usa también con el amarillo, debido a que es justo su color contrario, y esto nos permite crear un contraste claro.

Nomenclatura dentro de la gama

Dentro de la gama de los azules, este color se conoce de muchas formas diferentes y se ha conocido con muchos distintos nombres ya que se trata de un color utilizado a partir de su descubrimiento en el siglo VII. Los nombres más comunes, reconocidos, y usados son los siguientes:  azurrum transmarinum, azul marino, navy, ultramar, azul ultramaro, sky blue, royal blue, ultramarinblau synthetisch, etc....

Artistas

A lo largo de la historia lo han utilizado muchos artistas, pero no destacaron sobretodo por usar ese color hasta que se logró inventar el azul ultramarino sintético. POrque el azul ultramarino hasta el siglo XVII solo se extraís de unas cabteras naturales situadas en Afganistán. Y esto suponía que el precio se disparaba. Y muy pocos artistas podían estar al alcance de este material.

En la época del arte renacentista destacaron autores como Giotto con su obra "Capilla de Mos Scrovegni", Miguel Ángel con la "Capilla Sixtina" o Roger Van der Weiden con "El descendimiento".

Artistas contemporáneos característicos por utilizar el color azul ultramar son, entre otros, Kandinsky con "La montaña azul", Franz Marc con "Caballos azules" y, sobretodo, el más importante de los autores contemporáneos, Yves Klein quien se especializa de manera excesiva en trabajar este color azul. Este autor desarrolla varias esculturas de desnudos empleando en todo el cuerpo el color protagonista de hoy. También desarrolla una pinturas que recuerdan a unos negativos de las fotografías antiguas de carrete o exponiendo su propio cuerpo como lienzo para expandir su color azul.

  

Color en la naturaleza

En la naturaleza podemos encontrar este color en su propio origen como es la piedra preciosa lapislázuli, los tonos que presenta en numerosas ocasiones tanto el mar como el cielo, algunas flores como por ejemplo la rosa azul o el pájaro azul o cola azul ultramar.

Simbología en otras culturas

La piedra de procedencia de este color siempre se ha tratado de un mineral difícil de conseguir y por ello valioso y a la vez muy caro. Es por esta dificultad para encontrarlo, también, que siempre ha significado pureza, salud, suerte, nobleza.

En Egipto se trata del color de los dioses y se consideraba al lapislázuli una piedra sagrada. Se utilizaba en las máscaras faranoícas para hacer los ojos.

En la Francia de la Edad Media se ha utilizado en vestimentas de las clases altas privilegiadas.

En Italia, podemos encontrar este color en los manuscritos iluminados, tablas y frescos; especialmente para colorar la ropa de los personajes principales destacando sobre el resto de la composición.

Literatura

En la literatura podemos encontrar un libro titulado 'Ultramarina' de Malcolm Lowry. Este libro cuenta la historia de un niño que se embarca en un buque por capricho y quiere ganarse el respeto de los marineros curtidos mediante el extraño método de hacerlo todo mal. Además de su título, lleva un contexto la novela que incita a pensar en los azules del cielo, del mar, de los trajes o bordados de los trajes de los marineros, etc.

Música

En Reino Unido se conoce un grupo de música por el nombre 'Ultramar', formado por Paul Hammon e Ian Cooper. Fue en 1990 cuando se inició esta banda relacionada con el ambient house.

Cine

En la reciente película de Robin Hood, uno de los vestidos de Marian, resulta teñido de un brillante ultramar. El investigador ha tomado como fuente de inspiración las pinturas medievales, que no son más que una recreación. Un vestido teñido con ese color habría resultado fuera del alcance de una mujer como Marian representa en la película, a pesar de que ella no sea pobre. Pues como ya he dicho antes, en esa época, ese color tenía un precio muy elevado y no estaba al alcance de casi nadie.

 En el panorama cinematográfico español debemos mencionar la película del 2011 "Azul Oscuro Casi Negro"

 Trabajo Artístico

Con un boli bic, y logrando un color azul ultramarino, realicé estre proyecto. Espero que os guste :

Richard Hamilton

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  Hoy os voy a presentar al artista británico Richard Hamilton, quien falleció en el 2011. Pero se montó una exposición sobre él, en el museo Reina Sofía . Y tuve la suerte de poder verla. Un artista muy polivalente, que supo conjugar la pintura con la fotografía, con la escultura. Los oleos sobre imágenes, le dieron gran prestigio y le hicieron bastante famoso. Fue un gran promotor del pop art. Y también, un artista minimalista. Pero lo yo pude ver, e identificar en la mayoría de sus obras, es el carácter futurista que le daba a su arte. Aquí os voy a dejar algunas imágenes, a ver si podéis disfrutarlo tanto como lo hice yo.

 

  

 

º Ejercicio sobre la forma º

En la clase de hoy, se nos ha organizado en grupos de tres, para realizar un proyecto y así mejorar el entendimiento sobre lo que es la forma. Mi grupo estaba integrado por Enrique y Claudia. Y consistía el ejercicio en 3 aspectos.

1. Realizar dos formas que no tuviesen ningún parecido con cualquier cosa que hubiésemos visto antes. Tenía que ser realizado de forma dimensional. 
2. En segundo lugar, se nos pidió que realizásemos la forma del vacío que dejarían dos objetos en el vacío.
3. Y en último lugar, teníamos que representar tres formas de las estudiadas de forma tridimensional.

 Al principio empezamos a hacer dibujos alocados para realizar parte uno del ejercicio, pero a mis compañeros, no les parecía la menos manera. Debido a esto Claudia, se ofreció voluntaria, a en su casa, realizar un dibujo con acrílicos, que acabo siendo una mancha de un color policromático, con dentro de esta varias manchas.  La parte del vacío, fue Enrique el que realizó un extraordinario trabajo, y consiguió realizar la forma que debajo del taburete de la clase . y el hueco que dejaba la puerta de clase. Y no contento con ello, realizó en internet una maqueta sobre este hueco, y luego lo realizó en plastilina. Y la ultima parte de las formas se me encargó a mi. conseguimos reunir, una espiral hecha con alambre, una espiral natural, del hilo de una calabaza, de la parte que se agarra al suelo. Y un hexágono hecho con plastilina.

Yayoi Kusama

  En este blog voy a ir publicando entradas con grandes artistas que sean distintos y resalten ante los demas, ya sea por el aspecto técnico que le da a sus obras, o por el significado y lo que nos hace pensar.
  Hoy os quiero presentar a una artista japonesa, quien a lo largo de su carrera,  ha trabajado con una gran variedad de medios incluyendo: pintura, collage, escultura, arte performance e instalaciones...
  En sus obras destaca la psicodelia, pero destaca por ser precursora del pop art, del minimalismo y del arte feminista. Aquí os dejo algunas de sus obras: 
 

  

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º La forma º

   La forma, es el limite entre el cuerpo y el espacio. Para decirlo de otra forma, es la apariencia de las cosas que observamos o vemos, surgiendo de la percepción de las imágenes.

Existen dos tipos de formas: las naturales y las artificiales . Además podemos hacer otra diferencia, las formas compuestas por líneas rectas, y las compuestas por curvas. Y se pueden representar de dos formas:

      De forma figurativa: de forma parecida a una imagen
    De forma abstracta: de la forma que el autor quiera expresar, sin seguir un orden preestablecido, o intentar copiar una realidad visual igual para todos.

  Nos damos cuenta, que en la naturaleza, o en el medio, todo tiene forma, y que muchas de los objetos que el humano crea, adoptan la forma; le damos la forma, de los elementos naturales que hemos visto en la naturaleza. Las principales formas que estudiamos son :  la esfera ,la onda , el hexágono ,la  fractal , la  parábola y la espiral.

    La Esfera 
 Sus principales características son que, intima, protege y guarda. Es la manera de cerrar un volumen utilizando la mínima superficie posible, cuando todas las direcciones del espacio son equivalentes. Ejerce la misma presión por todas partes.

  









       La Onda   

  Se caracteriza porque mueve y comunica. Es el procedimiento más simple para mover un material dentro de un fluido.

 
 


 

 

    
 El Hexágono 


 El hexágono pavimenta. Es la forma de la naturaleza que utiliza de mejor manera, aprovechando el mínimo espacio, para recubrir una superficie. 


 

 







  

      La Fractal  

  La forma fractal se trata de una forma que se repite de manera progresiva según avanza la figura. Intima porque tiende a llenar el espacio con continuidad, sin interrupciones.


 







  

   La Parábola 

Concentra en un punto concentra toda la presión, para aguantar mas pes
o o fuerza.

 

 






      La Espiral 

La espiral permite empaquetar algo que ocupa grandes dimensiones en un espacio menor, es la mejor manera para crecer sin ocupar mucho espacio.


 








 La Hélice

La hélice se encarga de agarrar. Cuantas mas vueltas hay, hay mas tracción.


 











   Trás estudiar lo que son las formas, y ver cuales son las mas comunes y usadas, no solo por el humano, sino también por la naturaleza, hemos estudiado y analizado el rectángulo dorado. Y las proporciones perfectas por decirlo de alguna forma, gracias al hombre de Vitruvio, después de esto, se nos ha encomendado la tarea de dibujarnos a nosotros mismos en un circulo o cuadrado, tal y como hizo Vitruvio, y nos hemos tenido que medir y calcular nuestras proporciones, para ver si según las proporciones de Vitruvio seríamos perfectos o no....yo no lo soy...